Al pensar ampliamente en la arquitectura, aparecen inevitablemente algunas obras maestras del pasado; edificios construidos para resistir el paso del tiempo, aquellos que en los años han encontrado un aliado, cimentándose en la historia de la humanidad. Sin embargo, la permanencia es un fuerte peso que soportar, y la arquitectura que por su programa es efímera no debe desecharse como menos importante.
Tras 10 años de exploración sobre el LEGO y hacer intervenciones en muros y mamposterías en mal estado, el artista Jan Vormann hace la invitación a contribuir en el proyecto Dispatchwork. Vormann comenzó a hacer estas reparaciones de bloques de juguete en Bocchignano, Italia, y desde entonces ha realizado coloridas adiciones a Tel Aviv y Berlín.
Este artista ha visitado casi 40 ciudades en Europa, América Central, Asia y Estados Unidos. Algunas de las instalaciones usan un puñado de ladrillos de juguete, mientras que otras han usado hasta 20 libras.
Con motivo de la celebración de "La Primavera Francófona" en el Instituto Francais de Barcelona, el estudio de diseño y arquitectura español CRA-DE studio en colaboración con la escenógrafa Ludimila Fraga y la artista Lee da Young, nos presentan la instalación efímera TRAIT. Una escena que actúa como protagonista y que transforma los espacios del evento guiando a los visitantes y haciéndolos interactuar con la instalación.
Esculturas de gran formato configuran espacios donde el espectador puede sumergirse en un extenso mundo sensorial. Es una obra que apela a los cinco sentidos e invita al público a explorar su cuerpo y su mente a través de un recorrido donde el tacto, el color, el olor y las diversas maneras de habitar son la esencia del medio artístico. El punto donde el arte se fusiona con la arquitectura constituye una plataforma de interacción entre los visitantes y sensibilidad corporal con el entorno.
Ernesto Neto es un artista brasileño nacido en la década de los sesenta en Río de Janeiro. Desde muy joven se interesó por la escultura, y aunque dice haber tenido en algunos momentos incertidumbre de su futuro como artista, siempre se ha dedicado a hacer lo que más le gusta; explorar los sentidos y las diversas experiencias que el mundo natural puede dar al hombre por medio de la materia.
¿Ya recorriste todos los museos de arte en tu ciudad? Manteniendo su inherente función histórica de archivo responsable con la investigación, protección e exhibición, los museos de arte evidencian que cada museo hoy en día es un proyecto diferente de acción, promoción y experimentación; una búsqueda que pretende responder al rol contemporáneo experiencial y social de los museos en un momento histórico dónde el acceso digital obstaculiza el movimiento, el recorrido y la interacción.
La arquitectura de los museos de arte en Buenos Aires presenta un diverso catálogo, que no solo demuestra que el soporte modifica su contenido, sino también de una preocupación por mantenerse atentos a la curaduría y a las necesidades sociales de los ciudadanos.
Revisa a continuación una selección de museos de arte en Buenos Aires, para conocer tanto su arquitectura como su contenido.
Este artículo fue publicado originalmente por Common Edge como "Principios duraderos del arte que también se aplican a la arquitectura".
Es seguro decir que arquitectos, académicos, críticos e incluso el público han estado discutiendo sobre los méritos del estilo arquitectónico durante siglos. Incluso durante el transcurso de mi propia carrera, las categorías de estilo más generales de contemporáneo versus tradicional han continuado en una batalla incesante. Para bien o para mal, el contemporáneo ha ganado generalmente como la posición predeterminada para la mayoría de las escuelas y publicaciones, probablemente debido al gran valor de entretenimiento visual que ofrece, y los méritos lucrativos de sus dos hijastros, marca y publicidad.
Me gustaría proponer otra posición: que ciertos principios duraderos del arte, en lugar de cualquier estilo temporal -y, recuerden, son todos temporales- deberían ser nuestro verdadero objetivo arquitectónico. Esta suposición significa que debes ser agnóstico cuando se trata de estilo y dejar de lado cualquier noción de una postura ideológica con respecto a lo correcto o incorrecto de tus preferencias arquitectónicas. Hay quienes, por supuesto, dicen que imaginar que "mi arte" es mejor que el tuyo, o incluso que puedo definir el arte real en primer lugar, es una tontería.
Yo pienso lo contrario.
La arquitecta e ilustradora, Marta Vilarinho de Freitas, nos ha encantado una vez más con sus intrincados dibujos de ciudades en papel. La arquitecta portugués ha estado ejerciendo su pasión en el dibujo a través de una serie de dibujos titulados "Las Ciudades y la Memoria - la Arquitectura y la Ciudad".
Fascinadas por las ciudades, las ilustraciones de Marta expresan su conexión con la arquitectura mientras que capturan los aspectos románticos y cualitativos de cada ciudad, sus patrones, colores, atmósfera y luz.
Marta Vilarinho de Freitas combina la fantasía con la precisión detallada en sus composiciones de fachadas de edificios apilados, plantas y cortes, junto con elementos distintivos de la ciudad representada como molinos de viento, barcos, libros e instrumentos holandeses. El proceso de creación de estos dibujos es cíclico porque continúan informando a Marta del espíritu de cada ciudad mientras dibuja cada pieza de arte.
Como parte de la Art Basel en Miami Beach, una feria de arte moderna y contemporánea que destaca las galerías y los desarrollos más recientes en las artes visuales, Carsten Höller creó una pieza de instalación para la Fondazione Prada.
La instalación, "The Prada Double Club Miami" es un club nocturno en pleno funcionamiento y solo abre durante unos días como parte de Art Basel.
“Es quizás el más grande artista del momento, y no os estáis dando cuenta”, declaraba Picasso sobre Sironi en 1959, tal como atestigua Elena Pontiggia en el epílogo a la presente edición.
Del 7 de febrero al 24 de marzo de 2018 se exhibirán obras de Sean Scully en la Ciudad de México, uno de los artistas abstractos más importantes del mundo. La exhibición tendrá lugar en la Cuadra San Cristóbal diseñada por el arquitecto Luis Barragán.
El diseño del templo principal en Burning Man 2018 ha sido revelado: Galaxy por el arquitecto Arthur Mamou-Mani.
Diseñado con software paramétrico 3D, el pabellón está formado por 20 armazones de madera que forman una espiral hacia un punto central que llega al cielo. Partiendo desde el suelo, las armaduras triangulares abarcan distancias suficientemente grandes para crear una serie de caminos en espiral hacia el centro de la estructura, donde se mostrará un mandala gigante impreso en 3D. Los espacios entre los miembros del entramado también serán lo suficientemente grandes como para servir como nichos.
El ingenioso artista, Federico Babina vuelve a aparecer y esta vez para llevarnos a un viaje por el mundo en 21 ilustraciones animadas. Escucha el sonido del Big Ben, las sirenas en Nueva York, las gaviotas en Ámsterdam y los tambores de La Habana mientras extiendes tu lista de viajes deseados. Tendrás que ver esta animación más de una vez para apreciar todos los detalles que Babina captura sobre la cultura de ciudades enteras en una ilustración . O ve cada ilustración individualmente a continuación.
¿Qué tienen en común muchos recientes graduados de la escuela de arquitectura además de su grado? Préstamos estudiantiles y desilusión (vea el punto 1 en las 11 cosas que aprendes en tu primer trabajo "real" de arquitectura de Megan Fowler, para entender a lo que nos referimos por "desilusión"). Pero con el surgimiento de la era digital y la "economía de un trabajo adicional", los millennials están aprendiendo cómo monetizar sus pasiones, y ahora 1 de cada 4 estadounidenses está ganando dinero digitalmente. Los trabajos adicionales se han vuelto tan populares que incluso hay una escuela para eso. La diferencia entre un trabajo adicional y un segundo trabajo es que los adicionales no son solo para darse un aumento. Tu trabajo adicional es algo que realmente te encanta hacer, y probablemente lo harías de todos modos, pero ahora puedes compartirlo con el mundo y ganar un poco de dinero extra en el proceso. Entonces, ¿qué trabajo suplementario es el adecuado para ti? Aquí hay una lista de estos que se ajustan a las habilidades de los arquitectos y diseñadores.
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Lorenzo Castro (Castro Arquitectos) es un arquitecto colombiano cuyo trabajo cruza constantemente los bordes disciplinares entre urbanismo, arte y arquitectura. Su interés por entender la relación entre la ciudad y sus habitantes lo ha llevado a reflexionar sobre los medios que soportan la expresión potente del hombre para su interacción con el entorno. La arquitectura y el arte cumplen con ese componente poético que vincula ambos orígenes, pero que a la vez torna difusos los límites de cada disciplina. Pero entonces, ¿puede estar una al servicio de la otra?
Las construcciones de edificios consumen grandes cantidades de recursos naturales a la vez que generan contaminación a través de partículas en suspensión y enormes cantidades de escombros y basura. La urgencia por mantener nuestras ciudades con hábitats saludables ha potenciado el desarrollo de propuestas energéticamente eficientes en el mundo de la construcción. Los ejemplos más comunes están relacionados a la reducción del tiempo de construcción a través del uso de materiales prefabricados como; tabiques metálicos, paneles de madera estructural u hormigón prefabricado.
Sin embargo, existen otras formas complementarias para hacer un uso más eficiente de las estructuras mientras se construyen. En esta oportunidad, el montaje de una Feria de Arte en Santiago de Chile, Ch.ACO 2017, ha intervenido el subsuelo de un futuro edificio comercial, con más de 500 obras agrupadas en galerías nacionales e internacionales, proponiendo una forma alternativa para extender la vida útil de un edificio y apalear el gasto energético con actividades culturales.
Es junio de 1980. Alfredo Jaar, tras desertar de Arquitectura en la Universidad de Chile, camina por el centro de Santiago con largos paneles. Arrimado a la sombra de un kiosco, intercepta a los transeúntes y los entrevista. En plena dictadura militar, Jaar quiere que la gente vote. No por el plebiscito de la Constitución de ese año o por elecciones democráticas. Tampoco hay papel o lápiz para votar. No hay línea que marcar. Su voto es un dulce de menta —blanco y redondo— como la bolita de un sorteo de azar.
"¿Es usted feliz?", pregunta. "¿Cuánta gente en Chile estima usted que es feliz hoy?", pregunta en un segundo panel. "¿Y en el mundo?", pregunta Jaar en un tercer panel.
Hoy 28 de Septiembre se inaugura, en su quinta edición, el festival de arte urbano Hecho en Casa, en los puntos más importantes de Santiago de Chile y que por primera vez, llevará a una de sus obras a la ciudad de Valparaíso.
Hasta el 8 de octubre, el Paseo Bulnes, la explanada del MAC Forestal, Barrio Lastarria y la Torre Entel serán portadores de las intervenciones artísticas con la participación de connotados artistas chilenos e internacionales. Como caso especial, la sede de la obra Rubber Duck (Pato de Hule) será el Parque Quinta Normal hasta el 1 de octubre, para trasladarse el 4 de octubre hacia el Muelle Prat.
Por primera vez y hasta el 27 de Octubre se exhibirá Do it en Córdoba, Argentina, una muestra de arte inspirada en el concepto 'hágalo usted mismo' basada en instrucciones ideadas por figuras como Yoko Ono, Marina Abramovic y Ai Weiwei y que son interpretadas por diversos artistas locales.
Luego de itinerar por más de 70 ciudades, el proyecto que reta a la institución, al espacio y al arte mismo, pone a Argentina en la escena mundial contando con 36 instrucciones que fueron interpretadas por artistas locales y el público, haciendo foco en la participación activa. El proyecto propone ser interminable, puede hacerse en distintas partes del mundo y tener un sinfín de repeticiones, teniendo un sentido único en cada exposición.
De esta manera y con un carácter fuertemente interactivo, cada exhibición Do it varía según el lugar en el que se desarrolla, abriendo el diálogo al contexto local y focalizando la interpretación humana en lugar de exponer copias, imágenes o reproducciones de las obras.
