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En “Inception”, Christopher Nolan nos presenta, como en el resto de sus películas, un novedoso juego del lenguaje cinematográfico. Busca siempre llevarlo a sus limites y nos da la sensación de que estamos leyendo más una obra literaria que viendo como se desarrolla un guión de cine en la pantalla. En este filme juega especialmente con el concepto de la memoria, sobre lo manipulable que resulta y lo cuestionable de su naturaleza en nuestra vida diaria. El objetivo del autor en todo momento es hacernos entender que la realidad no existe.

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El poco conocimiento acerca de esta película por el público en general quizás se deba al fracaso taquillero que resultó ser en su país de origen y a la poca iniciativa que hubo después para exhibirla en el extranjero. En muchos países inclusive nunca llegó a estrenarse injustamente. Solo el formato casero y el boca a boca han sabido rendir tributo a un trabajo, que pese a su escaso presupuesto, resulta brillante en cuanto a su imagen y trasfondo teórico.

El filme nos transporta a un mundo de posguerra, que por causas que desconocemos pero se obvian en las primeras imágenes de la cinta, ha sobrevivido una tercera guerra mundial y se ve en la necesidad dramática de prevenir a toda costa un nuevo conflicto similar. Y como medio drástico de controlar a la población, se erige un nuevo gobierno totalitario que por medio de una droga, inhibe los sentimientos de las personas, convirtiéndolos en verdaderos autómatas.

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Dentro del cine de animación japonés, existe un antes y un después del estreno y posterior difusión de “Akira”, la cual impone un alto sino es que perfecto nivel de calidad de animación por medios tradicionales y convierte al país nipón en una propuesta seria ante la crítica internacional. En muchos países fuera de Japón, esta fue de las primeras películas en llegar a cartelera y más tarde a la televisión, introduciendo a toda una generación a una cultura diferente y llamativa.  

Más allá del fenómeno mediático que resulto ser en su momento, “Akira” es una obra de arte que por sí sola resulta ser universal y atemporal. Si bien nos plantea un futuro distópico después de una tercera guerra mundial y una sociedad en crisis debido al periodo de recuperación de posguerra, en ella encontramos los problemas y fenómenos que en todas las sociedades y épocas ha enfrentado la civilización humana. Crisis económica, sobrepoblación, marginación, totalitarismo militar, corrupción, un largo etcétera que parece repetirse en toda voluntad de construir una ciudad perfecta.

Una bocanada de aire fresco fue el resultado del estreno de Old Boy a principios de la década del nuevo siglo, tanto para el cine relacionado con la venganza como para la industria en si misma, ya que demostró que no solo en Hollywood se pueden hallar obras maestras y que con pocos recursos pero gran ingenio puede nacer la verdadera inspiración. Old Boy se ha convertido en una clara referencia al cine posmoderno y una obra de culto del cine oriental.

Se integra al mundo de la arquitectura gracias al lenguaje visual tan claro y delimitado que maneja, una abstracción potente que con escasos elementos arroja un subtexto, que a modo de capas nos permite entender mejor las motivaciones y acciones de los personajes. Esta abstracción no es coincidencia, ya que el propio director demuestra una gran pericia para escoger los planos de sus locaciones, habilidad quizás nata al ser hijo de un maestro de arquitectura, o propia al haberse dedicado gran parte de su juventud al ser critico de cine.

Dentro de nuestro contexto actual y a lo largo de toda la historia de la humanidad, el tema de la pobreza siempre ha sido objeto de estigmatización social, pero a la vez, de estigmatización espacial. Todos reconocemos sus características, alejadas de los centros económicos, por lo general localizados en la periferia de la ciudad, con escasos o nulos servicios, de viviendas precarias y cuya población se discrimina como si fueran portadoras de una plaga.

El filme toca estos temas, en concreto y como su nombre lo indica, el caso de la “Ciudad de Dios”, proyecto urbano por parte del gobierno de Brasil de crear una ciudad “embrión” para la población de origen africano de Río de Janeiro.

Existen numerosos ejemplos de como puede ser la ciudad del futuro, desde ciudades en ruinas hasta megalópolis que se expanden a lo largo de todo un continente y cuya extensión se pierde en el horizonte. Especialmente este tipo de ciudad distopíca, es difícil de imaginar y representar debido a su extensión descomunal, recurriendo a puntos identificables de la topografía que le den escala, un punto de comparación claro al espectador. La ciudad vista en “The Fifth Element” rompe totalmente con el paradigma clásico de la megalópolis horizontal y nos presenta una ciudad cuyo desarrollo resulta vertical.

La explicación a dicho crecimiento la encontramos “entre líneas” dentro de la trama de la película y por parte del gran trabajo creativo que el director necesitó para darle coherencia al universo de su película, trabajando durante largos años con los maestros del comic francés Jean Claude Mezieres y Jean Giraud “Moebius”.

Nueva York se ha convertido en la capital del mundo, que sobrepoblada ha conquistado todos los rincones de la tierra, excediendo su capacidad horizontal para expandirse, quedando la verticalidad como la única forma de crecimiento.

Humildad y un gran sentimiento de insignificancia es lo produce escribir sobre Blade Runner, filme de culto y gran reflexión, de múltiples interpretaciones, las cuales han sido abordadas con gran maestría por ya muchos otros autores difíciles de superar. Pero de lo que va esta reseña, humilde y respetuosa, es la de crear en sus breves paginas un acercamiento a este gran imaginario, invitando al lector a maravillarse y perderse en su mitología.

La imagen de Blade Runner nace de la idea de representar el concepto de Megalópolis, ciudad descomunal cuya extensión parece infinita y que no termina en el horizonte. Ciudad decadente, compuesta por un gran conglomerado de rascacielos que nace de suburbios superpoblados y de chimeneas industriales, las cuales escupen fuego como si del infierno mismo se tratara. Metáfora por donde se le quiera ver, con calles llenas de contaminación, violencia, ruido, invasión publicitaria, ingredientes de una metrópolis caótica la cual no es más que una exageración de las características que ya definen la ciudad actual.

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Espacios oscuros, claustrofóbicos, un laberinto lleno de trampas ambientado dentro de una ciencia ficción atípica, con un misterio matemático y el peligro asechando en cada oportunidad como los filmes clásicos de terror, de eso va “Cube”, película de bajo presupuesto pero de grandes ideas que nos transporta a un universo muy palpable donde la mayor amenaza es el espacio mismo.

“Cube” es una prisión, un laboratorio de extraños propósitos compuesta por la sucesión en las tres dimensiones de un número elevado de cubos perfectos, los cuales, como si se tratara de un cubo “Rubik”, se traslapan entre sí a cada determinado tiempo. Dicha estructura podemos asociarla con la arquitectura fractal, que a modo de caleidoscopio nos muestra una visión infernal de la cual los protagonistas no pueden escapar ante su aparente infinita repetición.

Una de las propuestas mas posmodernas que he tenido la oportunidad de disfrutar y quizás uno de los trabajos mas honestos en cuanto a la realización de su guión es Dark City, película llena de experimentación, novedosa para su tiempo y que no contó con suerte ante el público y la crítica en su momento. Hoy en día ha sido justamente revindicada y convertida en una película de culto, en gran parte, por el punto de inflexión que fue “The Matrix” en cuanto a la concepción del cine posmoderno.

Ciudad sin luz, ciudad congelada en una noche interminable donde nunca sale el sol pero a la vez, ciudad a oscuras por el hecho de que nadie es conciente del desarrollo de la ciudad. Las personas no se asombran ante la imagen cambiante de la ciudad debido a que están sometidas a un control mental, pero igual podemos ver esta conducta en nuestra sociedad posmoderna actual, donde a nadie parece asombrarle ni hacerse participe de la transformación vertiginosa de la ciudad.

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Retrofuturo y Minimalismo Aséptico. Gattaca (1997) es una película curiosa, que destaca entre sus compañeras del genero de la ciencia ficción y dentro del mundo del cine en general, por presentar un equilibrio excepcional entre “mensaje” y “forma” mediante la presentación escasa -casi mínima- de elementos dentro de su ambientación, cargados de simbolismos, que enfatizan el discurso que los personajes muestran magistralmente en cada escena.

Nos transporta a un futuro cuya estética es evidentemente retro futurista y parecida más a la de las películas y teleseries de los años cuarenta del siglo pasado. Los automóviles no son las máquinas super potentes o estrafalarias que surcan los cielos o llenas de tecnología, sino piezas de gran diseño sacadas de museos. Los personajes visten trajes de sastre por la calle, algunos de ellos portando sombreros, luciendo una estética muy impersonal y casi atemporal.

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El futuro para la humanidad no existe. De todos los escenarios posibles, es quizás este el mas desolador y deprimente. Hemos perdido la capacidad para reproducirnos y con ello, nuestra misión biológica y social de transmitir todo lo que somos a la siguiente generación. Nuestras grandes obras, nuestras ciudades, nuestro arte, no tiene sentido. En menos de cien años no existirá nadie que recuerde quienes fuimos ni nada de lo que hicimos.

Para representar esta tragedia, la película, magistralmente dirigida por el mexicano Alfonso Cuarón, nos muestra las consecuencias a mediano plazo de dicha situación. Nos transporta a la ciudad de Londres, una de las ultimas ciudades que se resiste al caos. Antigua ciudad cosmopolita y de sociedad posmoderna es representada ahora como si se tratara de una ciudad de tercer mundo, sucia, desordenada, congestionada, contaminada y vigilada en todos sus rincones por la fuerza militar.