Luca Tranchino es un diseñador de producción reconocido por su participación como director de arte en Pandillas de Nueva York, El Aviador, Hugo Cabret y Prince of Persia. Es decir, películas que fueron diseñadas para transportarnos a mundos mágicos e históricos.
Entrevistamos a Tranchino para dar un vistazo al detrás de escena y descubrir conexiones inesperadas entre el cine y la arquitectura.
Fabian Dejtiar: Me dijiste que estabas muy interesado en la arquitectura. Especialmente sobre cómo el diseño de producción usa el mismo lenguaje que la arquitectura pero que es muy diferente: Tiene más libertad y fantasía. ¿Es eso lo que te inspiró en un principio a ser un diseñador de producción?
Luca Tranchino: Tome la decisión de querer ser diseñador de producción probablemente cuando tenía 7 u 8 años, cuando me di cuenta de que disfrutaba fantaseando con la construcción de entornos producidos desde mi imaginación. Estaba construyendo pueblos enteros en mi mente, con casas, cielos y montañas, y los visualicé para que todo pudiera caber dentro del espacio limitado de mi habitación. Alguien de mi familia me dijo que eso se podría hacer bajo la profesión de diseñador de producción, y desde ese momento, he buscado convertirme en uno. Siempre me ha interesado la arquitectura también; pero incluso si el diseño de producción a menudo usa el mismo lenguaje que la arquitectura, su propósito es muy diferente. Principalmente porque no recrea la realidad tal como es; en cambio, representa lo que se percibe a través de la mente y los ojos de los personajes de una historia.
Creo que el diseño de producción utiliza entornos arquitectónicos para expresar un estado emocional, investigando las implicaciones psicológicas del mismo. En comparación con la arquitectura, el diseño de producción es más como mirar dentro de nuestro subconsciente. Nuestros recuerdos, nuestros sueños y miedos más profundos. Usando el espacio, el color, la textura, los gráficos y los símbolos para llevar a la audiencia a otros mundos y hacer que se relacionen con ellos. De alguna manera, diseñar para una película o una serie de televisión es similar al trabajo de un actor que tiene que ponerse en el papel de otra persona, a veces de otros períodos u otras culturas. El diseñador de producción tiene la libertad de usar y reinterpretar la arquitectura de varios estilos, períodos o geografías. Para cada proyecto, hay muchas variables y requisitos diferentes, y los temas a menudo son muy diferentes: desde histórico, a fantasía, a ciencia ficción, etc. Por ejemplo, para una tarea específica, es posible que deba expresar una sensación desagradable, tal vez a través de un corredor opresivo y laberíntico, que recuerda a una pesadilla, o tal vez espacios inundados de agua, sucios, desagradables. No hay límite; puedes construir estructuras consideradas imposibles para las leyes de la física o introducir materiales que aún no se han inventado. El diseño de producción es la visualización de una idea, es como pasar a realidades paralelas cuando incluso lo imposible es posible.
FD: Me doy cuenta de que te interesan los dibujos hechos a mano. En varios de tus trabajos parecen estar muy presentes. ¿Cómo te ayuda el dibujo?
LT: A lo largo de mi carrera en la industria del cine, en puestos de diseñador de escenarios, director de arte y diseñador de producción, he estado dibujando a mano durante muchos años. Tanto para producciones como Pandillas de Nueva York de Martín Scorsese, como El Aviator, Hugo Cabret o El Príncipe de Persia de Disney, entre muchos otros. Desafortunadamente, esta práctica está desapareciendo lentamente a favor de los dibujos digitales en los que puede uno hacer revisiones mucho más rápido, y son más fáciles de transferir, medir, etc. Creo que siempre debemos estar al día con los tiempos y las nuevas tecnologías, pero dibujar a mano todavía ofrece beneficios insustituibles que me gustaría preservar.
Un dibujo hecho a mano tiene una cualidad de imperfección y aspereza que es exclusivamente humano, y que le da vida y emoción. Un dibujante que trabaja a mano generalmente puede enfatizar algunas líneas más que otras, comunicando una sensación de material, textura, iluminación y el estado general de la misma, especialmente si se trata de arquitectura histórica. Creo que trabajar en un dibujo que está físicamente frente a ti, en una mesa de dibujo, siempre te dará más control y concentración en el proyecto en general que solo mirarlo a través de la pantalla de una computadora. Dibujar también es esencial; se comienza con una idea aproximada que luego se refina cada vez más. Redactar a mano permite enfocarse en un orden específico, dependiendo de la escala, comenzando desde la idea general, desde la esencia, hasta desarrollar los detalles en el momento correcto. Esto también se puede observar comparando representaciones 3D con bocetos ambientales hechos a mano. Ofrecen la oportunidad de cambiar subjetivamente las reglas de prospectiva para expresar mejor una idea específica.
FD: ¿Cómo haces la transición del dibujo a la construcción del diseño, especialmente cuando se tratan de proyectos de gran escala?
LT: Todavía es muy fascinante para mí poder visualizar un lugar, un entorno que existe solo en mi imaginación, y luego verlo materializado después de un corto tiempo. Especialmente si es en dimensiones más grandes y realmente puedo caminar en él. Pero en realidad, la creación de un escenario requiere muchas etapas y desarrollo antes de que comience la construcción real. Por lo general, comienza con una fase importante de investigación y estudio. Conocer el período, la era específica, siempre es muy importante, así como también lo son los estilos arquitectónicos y los aspectos sociológicos de los personajes. Se busca intentar encontrar el estado de ánimo o tono adecuado para el proyecto. Ayuda a ser preciso, a encontrar su alma, y también a establecer cuál será la paleta de colores. Luego se hacen algunos dibujos preliminares del set, y en ese punto, generalmente me gusta hacer un modelo en miniatura. Es muy útil para expresar ideas al director y a los productores.
Un modelo también es una buena herramienta para visualizar las acciones de los actores que se describen en el guión, y aclara el trabajo del director de fotografía al agregarle la iluminación. Muchas revisiones en el proyecto a menudo se hacen también para ajustarse al presupuesto, que inevitablemente siempre es más bajo de lo que se requeriría. Luego se realizan los dibujos finales, e incluso si se han hecho algunos recortes y algunos compromisos menores, en este punto, todas las fuerzas se unen para finalmente hacer que cobre vida.
FD: ¿Cómo lidias con los tiempos respecto a esto, a partir de la velocidad que demanda la industria del cine en la actualidad? ¿Utilizas nuevas tecnologías digitales?
LT: En los últimos años, las producciones se han vuelto mucho más rápidas de lo que solían ser, y por varias razones, siempre hay menos tiempo, especialmente para la preparación. A menudo se requiere que el diseñador de producción trabaje a alta velocidad, tome decisiones de forma muy rápida y, por lo tanto, esté mucho más enfocado. Por otro lado, ahora hay disponibles increíbles herramientas tecnológicas que han abierto el camino a muchas nuevas potencialidades, especialmente para experimentar. Por ejemplo, las máquinas de corte de control numérico (CNC) ahora se usan comúnmente en la industria del cine. Hoy también podemos confiar en una gama de sofisticadas impresoras fotográficas para fondos, papeles pintados, materiales para pisos, etc. El dibujo digital es infinitamente útil, por ejemplo, para multiplicar patrones y decoraciones complejas. También estoy muy interesado en el diseño paramétrico y sus posibilidades.
Otra sección de esta profesión es trabajar en sinergia con el supervisor de efectos visuales. Con ellos, se diseña las secciones de las escenografías que no se construyen físicamente, sino que se crean digitalmente, y que deben integrarse en el aspecto general y el diseño que se ha establecido.
FD: ¿Tienes alguna recomendación final para aquellos interesados en el diseño de producción?
LT: Para aquellas personas que están interesadas en el diseño de producción, hay muchos programas o pasantías disponibles. Esta profesión requiere el conocimiento general de muchas materias y temas, desde la historia del cine hasta las artes visuales, la arquitectura, la teoría del color, el diseño de muebles, de escultura, gráficos y muchos otros. Pero creo que la habilidad más importante para desarrollar es una curiosidad constante y persistente, y el deseo de explorar, de tratar siempre de ver las cosas desde una perspectiva diferente. En esencia, un diseñador de producción es un narrador de historias.
El diseño de producción también es un trabajo colaborativo que requiere muchas habilidades sociales y diplomacia, especialmente al tratar de satisfacer las necesidades del director, los productores o los actores, a menudo todo al mismo tiempo. Nunca se sabe cuál será el tema de la próxima producción, o la ubicación de la misma, por lo que debes estar constantemente preparado para nuevos desafíos. Esto no es solo una profesión y un trabajo, sino una forma de vida. A veces es muy estresante, lleno de altibajos, éxitos y delirios, pero, por otro lado, te hace viajar por el mundo, conocer a muchas personas y culturas diferentes. Cada vez que te hace aprender algo nuevo, también te hace desarrollar una mente más flexible y abierta.
