‘Architecture is Everywhere’ de Sou Fujimoto Architects estuvo entre los favoritos de los editores de ArchDaily en las exposiciones de la Bienal de Arquitectura de Chicago. La entretenida y reflexiva colección de objetos mundanos verdaderamente acogió la idea de que el público—no sólo los arquitectos—deben ser incluidos en la celebración de la Bienal de arquitectura.

Antes de que los frutos del trabajo arquitectónico se observan, rara vez revelamos las semillas cultivadas en la mente de los arquitectos. Es difícil captar estas ideas formativas, y mucho menos presentarlos de una manera que aprovecha el momento satisfactorio en el que la arquitectura se "encontró".

La simplicidad engañosa de mostrar "la arquitectura encontrada” en realidad se imparte una lección reflexiva más profunda, que Fujimoto ha inscrito en un cartel que acompaña la muestra “la arquitectura podría llegar a existir a partir de cualquier lugar. Creo que fomentar elementos potenciales de arquitectura en arquitectura de verdad en si misma es también arquitectura”. 

Hace unas semanas, durante la inauguración de la Bienal de Arquitectura de Chicago, tuvimos la oportunidad de hablar con Joseph Grima, el co-director artístico de la primera Bienal de Arquitectura de Chicago. En una exposición con un tema tan abierto, (o más bien, a falta de), queríamos comprender las fuerzas impulsoras detrás del conjunto de participantes, y como la propia ciudad de Chicago influyó en las decisiones de la planificación de la reunión más grande de arquitectura en América del Norte. Ve el video de arriba y echa un vistazo a la transcripción completa a continuación.

Estos días la contaminación del aire en algunas ciudades es un gran problema y como resultado, los edificios que ayudan a aliviar el problema están de moda. En los últimos años, sin embargo, los diseñadores han comenzado a ir más allá de la simple reducción de las emisiones de un edificio y han comenzado a trabajar con técnicas que eliminan efectivamente los contaminantes del aire, a través de sistemas como la fachada "fotocatalítica" de Nemesi para el Pabellón de Italia la Expo Milán 2015 que captura y reacciona con la contaminación en presencia de la luz.

Sin embargo, en la mayoría de los casos, estas nuevas tecnologías han sido químicas, afectando solamente al aire que entra físicamente en contacto con ellos. ¿Qué pasaría si los edificios tomaran un papel más activo en la tracción de los contaminantes del cielo? ¿Si trabajaran un poco más como una aspiradora? Esto era exactamente la inspiración detrás del Breathe Brick desarrollado por Carmen Trudell, profesora asistente en la Escuela de Arquitectura de Cal Poly San Luis Obispo y fundadora de Both Landscape and Architecture.

Con motivo de la IX BIAU realizada en Rosario el año pasado, tuvimos la oportunidad de conversar con el arquitecto argentino Nicolás Campodonico. Desarrollando su trabajo bajo una reflexión de la luz, el espacio y la materia, Nicolás considera su práctica como un estudio artesanal que trabaja de forma independiente construyendo en Argentina y Uruguay. Describe la esencia de la arquitectura como una transmutación del lugar existente, recalcando así la importancia del lugar, ya que este ofrece un conocimiento profundo que enriquece los diversos habitares.

No ve un único rol para el arquitecto, más bien una postura que debe encarar las diferentes problemáticas desde la disciplina, reforzando así la identidad del arquitecto. Propone una mirada atenta al contexto actual, conociendo los límites de la globalización plantea una revalorización de los lugares, la riqueza está en los potenciales culturales y los problemas específicos de cada sitio. Hace un llamado a despegarse de los temas más instrumentales, como la estética y la forma, enfocándose así en los procesos y las ideas, temas que construyen una arquitectura auténtica.  

Nicolás ha participado en numerosos concursos nacionales e internacionales, destacándose la inclusión en el "Panorama de Obras" en la VIII BIAM Cadiz 2012, la "Primer Mención Internacional" en la BAQ Quito 2012 y la "Mención del Jurado en el Premio Bienal SCA CPAU de Arquitectura en Argentina 2008.

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La energía solar es considerada por muchos como el futuro de la electricidad mundial. Ciudades desde Houston a Mumbai están adoptando masivas infraestructuras solares en cubiertas de edificios y zonas rurales, un sistema que en gran medida está estandarizado por paneles fijos posicionados para optimizar la captura del sol en las horas punta. Sólo los paneles más sofisticados son ajustables y siguen al sol, sin embargo, son capaces de absorber la máxima cantidad de luz permitida por la tecnología, lo que significa que el panel del inmueble promedio pierde una cantidad significativa de energía disponible.

Investigadores de la Universidad de Michigan trataron de desarrollar un sistema de energía solar que podría absorber la mayor cantidad de luz posible reduciendo al mismo tiempo la huella de carbono de la producción de los mismos paneles. Los resultados son sorprendentemente hermosos: a través de la aplicación del antiguo arte japonés del Kirigami, una variación de Origami, los investigadores fueron capaces de capturar hasta un 40% más de luz solar que los paneles tradicionales.

En un reciente artículo publicado por Architecture Now, Justine Harvey entrevista al arquitecto y artista venezolano Alejandro Haiek Coll, co-fundador de LAB.PRO.FAB y The Public Machinery, además de profesor de la Universidad Central de Venezuela. Alejandro es descrito como "uno de los urbanistas jóvenes más innovadores del momento", dedicando su carrera a resucitar paisajes inactivos, contextos sociales degradados y situaciones post catástrofe. Ha participado en varios proyectos en Christchurch, Nueva Zelanda y en el proyecto Espacios de Paz en Venezuela, entre otros.

Trabajando bajo la idea de que las ciudades están bajo constante amenaza y que son organismos que pueden ser re-programados para adaptarse a las necesidades y exigencias de sus ciudadanos, Alejandro propone iniciativas participativas, comunidades activas capaces de transformar y mejorar su entorno construido. Sustituyendo el rol del arquitecto y urbanista por aquel del ciudadano se pude crear una fuerza poderosa, capaz de replicar experiencias y generar una colaboración integradora. Eso sí, nos explica cómo el desafío está ahora en establecer nuevas legislaciones y nuevas formas de acción colectiva. 

En un reciente artículo publicado por The Architectural Review bajo el nombre 'Venezuelan urban acupuncture: Spaces of Peace by PICO Estudio' Nicolás Valencia nos habla de cómo una generación joven de arquitectos venezolanos se enfrenta a los desafíos más prácticos de la arquitectura en medio de un ambiente local enrarecido y confrontacional, debido a un "explosivo cóctel de un gobierno revolucionario, clases sociales enfrentadas y una grave crisis inflacionaria", según el autor.

Esto no ha disuadido el surgimiento de colectivos jóvenes que apuestan por un trabajo participativo, el autoencargo y sobre todo, proyectos con un enfoque social. Tal como es el caso de "PICO Estudio, una oficina que coordinada con la Comisión Presidencial del Movimiento por la Paz y la Vida, desde 2014 desarrolla Espacios de Paz, un ambicioso ejercicio de acupuntura urbana y diseño participativo en ocho ciudades venezolanas". Según explica Valencia, "durante cinco semanas, veinte colectivos latinoamericanos reflexionan, diseñan y construyen equipamiento público en barrios prisioneros de la pobreza, la violencia y la deserción laboral/académica".

Con una altura de 3 metros, 'Arabesque Wall' de Benjamin Dillenburger y Michael Hansmeyer es un objeto de intimidante complejidad. Impreso en 3D, en el transcurso de cuatro días de un archivo de 50 Gigabyte, la pieza es una demostración de las increíbles formas alcanzables con el diseño algorítmico y la impresión 3D, sin embargo, con su abrumadora complejidad también es una prueba de la percepción humana.

"La arquitectura debe sorprender, emocionar e irritar", explican Dillenburger y Hansmeyer. "Tanto como un esfuerzo intelectual y fenomenológico, se debe abordar no sólo con la mente, pero con todos los sentidos. Debe ser juzgado por las experiencias que genera". 

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Como les contábamos a finales del mes de agosto, la Bienal de Venecia presentó su tema 'Reportando desde el frente' (Reporting From the Front)' para su 15ª edición. A continuación los dejamos con la declaración de principios que guiará el trabajo de Alejandro Aravena como nuevo Director de la Bienal de Arquitectura de Venecia.

"Hay varias batallas que deben ser ganadas y varias fronteras que necesitan ser ampliadas con el fin de mejorar la calidad del entorno construido y en consecuencia la calidad de vida de las personas. Cada vez más y más personas en el planeta están en búsqueda de un lugar decente para vivir y las condiciones para lograrlo se están volviendo cada vez más difíciles. Cualquier intento de ir más allá de la norma encuentra gran resistencia en la inercia de la realidad y cualquier esfuerzo para abordar temas relevantes tiene que superar la creciente complejidad del mundo moderno", señala Aravena.

La Revista CAPITAL publicó recientemente un artículo titulado 'La generación dorada de la arquitectura chilena' destacando el trabajo de cinco arquitectos nacionales que han obtenido prestigio internacional. Detrás de ellos aparece la figura de Fernando Pérez, el maestro que los formó y que en este artículo nos explica cuales fueron algunos de los elementos que configuraron este momento estelar en la arquitectura chilena.

Hace 15 años, Perez Oyarzún entregó una lista con 5 nombres a Jorge Silvetti, chairman del Departamento de Arquitectura de la Universidad de Harvard, quien le había pedido recomendaciones de quiénes eran los "hot young arquitects" chilenos del momento. En esta lista aparecían: Alejandro Aravena, Sebastián Irarrázaval, Mathias Klotz, Cecilia Puga y Smiljan Radic; nombres que hoy resuenan en el panorama arquitectónico mundial. Un momento dorado en la arquitectura chilena, que este año llega a su climax con el nombramiento de Aravena como director de la Bienal de Venecia, un rol que Emilio de la Cerda, director de la Escuela de Arquitectura de la PUC, califica como "el más importante que le ha tocado a un arquitecto chileno en nuestra historia".

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Con motivo de su visita a Chile, para el workshop "Todas las Lecturas de la Fachada" en la Universidad San Sebastian tuvimos la oportunidad de conversar con Alejandro Zaera-Polo, minutos antes de que ofreciera su conferencia para el ciclo "Cuando la Arquitectura encuentra la Ciudad". Destacado arquitecto español, conocido por su experiencia académica (Decano del Berlage Institute en Rotterdam en 2002, profesor en la Universidad de Princeton desde 2008 y ex-decano de la Escuela de Arquitectura de la misma institución) y por sus contribuciones a publicaciones internacionales como El Croquis, Quaderns y A+U, recalca en esta entrevista el papel que juegan los arquitectos españoles en el contexto de la arquitectura internacional y lo contrasta con el rol de los arquitectos en EE.UU.

Ganador de muchos premios a nivel internacional, se formó como arquitecto en OMA de Rem Koolhaas y luego creó, junto a la arquitecta iraní Farshid Moussavi, la oficina de arquitectura Foreign Office Architects (FOA) el año 1992. Este estudio, con sede en Londres y Nueva York, comenzó su trayectoria aplicando en diversos proyectos los resultados de la investigación de superficies desarrolladas en la Architectural Association. Así es como nació el concepto para el proyecto Terminal de Pasajeros del Puerto de Yokohama que se ha convertido en uno de los íconos de arquitectura del siglo XXI. En la última versión de la Bienal de Arquitectura de Venecia tuvo una importante labor como curador de la exhibición y libro "Facade'. Sus trabajos más recientes los realiza bajo en alero de su nueva oficina, AZMPL, fundada junto a la arquitecta Maider Llaguno.

Zaera-Polo atribuye la expansión de los arquitectos españoles en el extranjero a décadas de buenos trabajos en condiciones ideales, que desafortunadamente no se dan en todo el mundo. No es necesariamente una generación de arquitectos más inteligentes o talentosos, sino que en España se les dieron más oportunidades para explorar sus talentos. Esto lo contrasta con el panorama arquitectónico de EE.UU, donde la arquitectura se ha convertido en una práctica muy medida por los 'developers' y 'project managers', y como resultado "los arquitectos se han quedado sin terreno".

Tuvimos la oportunidad de conversar con Javier Corvalán, arquitecto paraguayo del estudio Laboratorio de Arquitectura. Este estudio fue creado el año 2005 con la firme convicción de que una arquitectura mejor es posible y así, a lo largo de los años, han plasmado esta idea en sus proyectos y obras realizadas. Trabajando con un énfasis en lo materico y los diseños estructurales, Corvalán reconoce la importancia del trabajo colectivo en su experimentación y como este ha llevado a la creación de una asociación civil sin fines de lucro, producto de la experiencia en el proyecto y construcción del Pabellón de Paraguay en la Bienal, Aqua Alta.

Javier nos habla de la crisis actual en la definición de la arquitectura como tal y el conflicto que esto propone, especialmente en un momento que el rol del arquitecto está cambiando y sus preocupaciones e intereses son otros. Él nos define la arquitectura como la construcción de ideas para ser habitadas, donde la herramienta clave utilizada por el arquitecto es la creatividad. Eso si, hace un llamado a asumir un nuevo rol, un rol más participativo e involucrado, que se apoye en un trabajo en equipo logrando así un carácter más democrático. 

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Con motivo de su 50 aniversario, la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Navarra celebró la ocasión con la participación de los arquitectos y Premios Pritzker Rafael Moneo y Eduardo Souto de Moura. En este extracto de la conferencia, Rafael Moneo reflexiona sobre la crisis actual en la profesión del arquitecto y cómo la arquitectura ha cambiado su rol en esta sociedad contemporánea. Hace un llamado a recuperar y rescatar el valor de la arquitectura, ya que es una poderosa herramienta para la construcción de ciudades y finalmente de una vida más sana.

Toda generación en su propia supervivencia tiene que hacer uso de la creatividad (...) Yo estoy seguro de que quienes están estudiando arquitectura encontrarán maneras de hacer uso, por un lado, de un modo de entender la realidad y por otro lado, de unos conocimientos que han adquirido que les permitan ajustarse en roles a lo mejor distintos a los que han sido los roles tradicionales del arquitecto.

Rafael Moneo se ha destacado por su reinterpretación arquitectónica del valor histórico y las raíces, resultando en proyectos plenamente contemporáneos. Su arquitectura se ha basado desde un principio en el patrimonio tanto cultural como personal, en la memoria y la nostalgia. "Estoy convencido de que la arquitectura puede servirse de los instrumentos de la modernidad, sin abandonar el respeto y la conversación con el pasado". Entre sus obras destacan la ampliación del Museo del Prado, la estación de Atocha y el edificio de Bankinter, en Madrid, el Museo de Arte Romano en Mérida, la Fundación Miró en Palma de Mallorca, el Museo de Arte y Arquitectura de Estocolmo y la catedral de Los Ángeles.

Además de su extensa obra, Rafael Moneo ha participado fuertemente en la escena académica, especialmente en EE.UU. donde fue invitado a los mediados de los 70s a trabajar en el Instituto de Arquitectura y Estudios Urbanos de Nueva York e impartir clases en la Cooper Union School of Architecture. En 1987 fue nombrado decano del Departamento de Arquitectura de la Universidad Harvard, puesto que ocupó durante quince años.

Ha sido galardonado en varias oportunidades por sus grandes e importantes obras, recibiendo premios como el Premio Nacional de Arquitectura (1991), la Medalla de Oro de la Unión Internacional de Arquitectos (1996), la Medalla de Oro del RIBA (2003) y del CSCAE (2006), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2012), el Premio Mies van der Rohe (2001), además de ser el único español ganador del Premio Pritzker el año 1996.

Arzubialde Arquitectos, formado por Santiago Baulíes, Martín Cabezudo y Franco Piccini, es una oficina que trabaja realizando proyectos y obras de pequeña y mediana escala en Rosario y ciudades del interior argentino. Nos explican en esta entrevista como ellos ven a la arquitectura como una respuesta al entorno, una serie de operaciones simples que deben generar una síntesis de toda la complejidad que nos rodea. El arquitecto debe tener la capacidad de dar forma al espacio, debe ir más allá de de la obra misma y su programa.

Se interrogan sobre cómo operar en la ciudad, cómo entender ese fascinante artificio en constante transformación. Cómo responder a la perversa lógica inmobiliaria, al uso de los recursos y materiales disponibles y a la necesidad de autogestionar los encargos. Resaltan como América Latina se ha separado de EE.UU. y Europa, cómo hoy en día tiene una imagen propia, lejos de la imagen material de las multinacionales. En su experiencia, el ladrillo ha jugado un rol importante en la obra, no por una búsqueda teórica sino que de forma circunstancial. El ladrillo como defecto natural a su zona, una respuesta razonable y ejecutiva a la estética y ética en su trabajo.

 Han presentado sus propuestas en numerosos concursos, destacándose el primer premio en el concurso de la Plaza de la Donación (Rosario 2007), asociados con el arquitecto Juan Andrés Romanos (Cekada/Romanos Arquitectos) y el segundo premio en el Concurso Nacional para el Desarrollo del Espacio Público y Centro Cultural de la localidad de Aluminé (Neuquén 2010) asociados al arquitecto Pablo Leguizamón (Studio DUV). 

Los avances en las computadoras y la tecnología de fabricación digital han permitido a los arquitectos crear fantásticos diseños con relativa facilidad, que en los últimos años probablemente habría requerido el trabajo de innumerables maestros artesanos. Estudios de arquitectura como Gramazio Kohler Architects son conocidos por su enfoque innovador en la fabricación digital, adaptando la tecnología de una variedad de disciplinas. Para crear esta nueva e impresionante fachada de ladrillo para Keller AG Ziegeleien, Gramazio Kohler utiliza un innovador proceso de fabricación robótica llamada "ROBmade", que utiliza un robot para posicionar y pegar los ladrillos juntos.

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Con motivo del Congreso Latinoamericano de Arquitectura 2014 en el que se llevó a cabo la Premiación de la pasada versión del Concurso Premio TIL que organiza cada año la Universidad de Morón, tuvimos la oportunidad de conversar con el arquitecto argentino Alejandro Borrachia. Además de tener una importante labor docente, Alejandro es socio del Estudio Borrachia y en el desarrollo de ambas labores, tal como nos cuenta en esta entrevista, entrega una vital importancia a la innovación y al trabajo con otras disciplinas.

Estudio Borrachia se ha desarrollado como una oficina que se nutre de la actividad académica, cuya principal labor se genera en torno al instituto de investigación IGEO, al diseño y construcción de obras para la Universidad de Morón y al desarrollo de encargos privados en la ciudad de Buenos Aires. Estudio Borrachia nace el año 2000, en asociación con su padre Oscar A. Borrachia, como una oficina argentina que se ha establecido como una figura relevante en el panorama arquitectónico latinoamericano, una mirada joven y fresca que busca nuevos desafíos en los problemas cotidianos, a través de propuestas con nuevos enfoques que otorgan soluciones creativas y multidisciplinarias.

En el ámbito académico, Alejandro Borrachia se desempeña como titular de la cátedra Taller Integral de Arquitectura DOS en la Universidad de Morón y además dirige el instituto de investigación IGEO. Su enfoque docente plantea un cuestionamiento en la arquitectura como una disciplina que no sólo sirve al hombre, sino que también a todo aquello que lo rodea, a través de una serie de ejercicios llamados Casas Hábitat. A sus estudiantes les aconseja empaparse con la realidad, encontrarse con la sociedad, volver a las bases de los problemas, para así atender los problemas más importantes desde cada cosa que hagan.